ZIT 1. 8EMES

Este encuentro propone reflexionar, de la mano de jóvenes activistas migrantes y antirracistas, sobre los modos de desestabilizar el racismo desde una mirada interseccional. ¿Qué papel ocupa el racismo en las múltiples opresiones que cruzan determinados cuerpos como el género, la raza, la clase, la situación administrativa, etc.? El objetivo es imaginar de manera colectiva procesos pluridimensionales, creativos, políticos, desobedientes, que permitan incorporar el antirracismo en el centro de las luchas y, desde allí, examinar su relación con otras cuestiones como la educación, la participación en la política, la heteronormatividad, la justicia climática, entre otras.

Coordina: Red de Estrategias Antirrumores de la Región de Madrid (RAMA) 
Organizan: Red de Estrategias Antirrumores de la Región de Madrid (RAMA), GRIGRI y Museo Situado 
Colabora: Ayuntamiento de Madrid

En este encuentro distintas voces especialistas e interesadas en la obra de Maruja Mallo conversan sobre su actividad artística tras su regreso del exilio y exploran una selección de sus últimos trabajos, realizados entre 1975 y 1982, conservados en la Colección del Museo Reina Sofía.

Organiza: Museo Reina Sofía

Este documental producido por el Museo se aproxima a la singularidad de la obra de Elena Asins (Madrid, 1940-Azpirotz, Navarra, 2015), artista que exploró con intensidad el lenguaje abstracto en los campos del pensamiento lógico y del álgebra matemática aplicados a la abstracción geométrica. Su práctica artística —caracterizada siempre por el rigor compositivo y la depuración formal— abarca un amplio abanico de formatos y medios, desde la poesía concreta y el dibujo al vídeo, pasando por la escultura y la instalación. El documental, fruto de una investigación de más de dos años en el archivo de la artista, es un relato coral en el que diferentes voces intentan responder a muchas de las preguntas que formula un arte estricto y exigente que, como señala Javier Maderuelo, es “puro proceso mental”. Tras el documental se proyectan las películas de animación digital inéditas de Elena Asins y se realiza un coloquio con Javi Álvarez y Olga Sevillano, directores del documental, en ambos pases.

El Contenedor de feminismos es una escultura y archivo móvil ideado y activado por la artista Carme Nogueira y las investigadoras Anxela Caramés y Uqui Permui, que forma parte del Episodio 8. Éxodos y vida en común, último capítulo de la nueva presentación de la Colección del Museo. Pensado para ser usado en el espacio público, tiene la finalidad de recuperar, documentar y visibilizar las historias de las mujeres, los feminismos y las luchas en este ámbito. Desde 2009 se han realizado diversas docu-acciones —término empleado para designar un encuentro o diálogo entre mujeres, sobre un tema en concreto, en el espacio público—, que rescatan esa memoria entre lo público y lo privado. En este sentido, la docu-acción que se lleva a cabo en el Museo gira en torno al feminismo y el sindicalismo asociacionista. Los materiales que surjan de esta docu-acción se incorporan dentro del contenedor, formando parte de su archivo.

La artista Andrea Büttner realiza una conversación con Isabella Lenzi, comisaria y becaria de investigación del Departamento de Colecciones del Museo. El trabajo de Büttner forma parte del Episodio 8: Éxodo y vida en común, último capítulo de la nueva presentación de la Colección. Este evento se programa en el marco de una serie de activaciones de la Colección durante el mes de marzo, donde se destacan prácticas artísticas feministas y la obra de mujeres artistas.

Con motivo de la exposición Belkis Ayón. Colografías, el Museo organiza un recorrido por la muestra y una conversación entre su comisaria, Cristina Vives, y los artistas cubanos Alexandre Arrechea y Luis Cabrera, ambos cercanos a la figura de Ayón. Esta actividad profundiza en la corta pero intensa trayectoria de la artista, marcada por sus investigaciones plásticas sobre la sociedad secreta afrocubana Abakuá, la práctica de la colografía —técnica de grabado poco usual que Ayón desarrolló hasta generar un lenguaje artístico único—, y el contexto artístico y sociocultural de la Cuba de la década de 1990. El encuentro se completa con una activación sobre el proceso de confección y estampación de la colografía a cargo de Luis Cabrera.

El proyecto Triángulo Rosa busca consolidar un espacio de confluencia entre diversos agentes que trabajan en el ámbito de la diversidad afectivo-sexual y de género en los centros escolares, con el propósito de desarrollar, en sintonía con la legislación vigente, programas integrales contra la LGTBIfobia y la discriminación por razón de orientación e identidad sexual. Durante este año, en colaboración con L’Internationale, se elaboran una serie de materiales de mediación en torno al diálogo registrado entre Miguel Missé y Mercedes Sánchez Sáinz, con el objetivo de compartir estrategias y activaciones en el ámbito de la libertad de expresión sexogenérica, y el trabajo pedagógico por y desde la diferencia.

La ciudad moderna dio paso a la mujer moderna que, en las décadas de 1920 y 1930, se convirtió en fenómeno social. Sin embargo, en España no existió un marco cultural en el que contextualizar profesionalmente a las mujeres en el arte hasta bien entrado el siglo XX, por lo que su historia viene dada como una suerte de lista de excepciones con características vitales específicas. Esta sala cuenta con obras representativas de los condicionantes a los que se enfrentaba la mujer a comienzos de siglo, como La Comulgante (1914), de la artista María Blanchard, así como piezas que dan cuenta del espíritu emancipador que comenzaba a fraguarse en centros educativos destinados a impulsar la educación superior femenina, como La Tertulia (1929), de Ángeles Santos. También se reivindica el trabajo de ilustradoras como Pitti Bartolozzi, Rosario de Velasco o Delhy Tejero, que emplearon materiales considerados por la historiografía como secundarios, para construir así una historia del arte feminista o subalterna.

Esta sala presenta obras de dos artistas relacionadas vital y conceptualmente con el surrealismo del viejo continente: Louise Bourgeois y Dorothea Tanning. Ambas bucean en una dimensión liminal, interior y exterior a la vez, de la feminidad, del cuerpo y del hogar, dando forma rotunda a la violencia de las construcciones de género y valorando sus luces y sombras. De alguna manera, su tratamiento del hogar es diametralmente opuesto al del sueño americano, en el que la casa suburbana, luminosa y siempre ordenada, se construye sobre una complaciente e idílica figura femenina, dándola por supuesto.

Obras de Mari Chordá, Ángela García Codoñer, Eulàlia Grau, Isabel Oliver y Ana Peters, artistas cuyas trayectorias se iniciaron durante las décadas de 1960 y 1970 pero que, olvidadas en los grandes relatos, no han sido sacadas a la luz hasta investigaciones recientes, se presentan en esta sala. Durante las dos últimas décadas de la dictadura franquista, las mujeres activas en la escena artística española eran consideradas excepciones, siendo común que la crítica y los medios de comunicación minimizasen su talento utilizando el apelativo de femenino. Sin embargo, desde finales de la década de 1960 este calificativo peyorativo comenzó a formar parte de la temática abordada por muchas de estas artistas, como reivindicación de otro modo de hacer y como resistencia al franquismo.

De las luchas contra la desigualdad surgen, como respuesta, nuevas formas de gobernabilidad guiadas por la búsqueda de modelos alternativos, quizá modos de intercambio preexistentes, algunos basados en la lógica comunitaria que asume la importancia de existir en relación con los demás. Esta sala exhibe obras de la artista Andrea Büttner que abordan cuestiones morales o éticas vinculadas a la desposesión y vulnerabilidad derivadas de las estructuras de desigualdad y de los sistemas de creencias, como las religiones, que los sustentan o los confrontan. Sus Beggars, retratos de mendigos que conforman una de sus abiertas líneas de trabajo, son xilografías que muestran variaciones a partir de una esquematización de la figura del mendigo. La técnica xilográfica, modesta y vinculada al arte popular, establece un paralelismo entre artistas y trabajadores manuales: el artista como obrero.

Esta sala muestra la serie Retratos saharauis de Victoria Gil, obra ideada para ilustrar un libro de poemas que contó con la colaboración de varios escritores del Sáhara Occidental y que pretendía visibilizar el conflicto sociopolítico. Aunque la serie es amplia y aborda cuestiones como los actos de resistencia ante los intentos de desalojo de los campos, o el lanzamiento y propagación de gases lacrimógenos, las piezas seleccionadas en esta sala nos permiten visualizar la agencia de las comunidades de mujeres saharauis, protagonistas en el desarrollo de su sociedad a lo largo de más de cuatro décadas en el exilio. En su diario de campo, Victoria Gil retrata la vida cotidiana en los campamentos y reconoce tanto la participación de las mujeres en la lucha anticolonial y por los derechos del pueblo saharaui hasta el presente, como su liderazgo en las actividades de la comunidad, en un intento por mejorar la convivencia y la calidad de vida mediante la creación de estructuras educativas o la promoción de la salud, siempre en manos de las mujeres en los campos de desplazados.

Belkis Ayón (La Habana, 1967–1999), considerada uno de los máximos exponentes del grabado contemporáneo internacional de la década de 1990, alcanzó su madurez artística durante la profunda crisis económica, social e ideológica de Cuba provocada por el colapso del socialismo en Europa. Formada en el Instituto Superior de Arte de La Habana (ISA) entre 1986 y 1991, destaca por la maestría de sus colografías de gran formato —mediante el ensamblaje de múltiples secciones impresas— y de marcado carácter escenográfico y gran complejidad compositiva. A través de ellas, Ayón construyó un discurso universal contra la marginalidad, la frustración, el miedo, la censura, la intolerancia, la violencia, la impotencia y la falta de libertad.

Comisariado: Cristina Vives
Organiza: Museo Reina Sofía en colaboración con el Belkis Ayón Estate

La artista de origen suizo Vivian Suter (Buenos Aires, 1949) trabaja en plena selva guatemalteca. En su estudio situado en Panajachel, su obra ha evolucionado hacia un intercambio cada vez más estrecho con la naturaleza. El viento, la lluvia o el barro ejercen su acción sobre lienzos coloristas, sin marco, en continuidad con el paisaje tropical de los alrededores. La acogida que da a los fenómenos naturales en sus lienzos no solo socava la noción de una jerarquía material, sino que también muestra una forma de existencia ecológicamente consciente. Cada lienzo mantiene su propia autonomía como obra de arte, pero permanece también en estrecha conexión con el resto de las piezas, en una suerte de ecosistema evocador de experiencias climáticas, sensoriales y emotivas.

Comisariado: Manuel Borja-Villel
Organiza: Museo Reina Sofía
Colabora: Comunidad de Madrid

Jardín de las mixturas propone una presentación de los trabajos de Alejandra Riera —“una serie de tentativas”, prefiere definir ella— a lo largo de más de dos décadas. ¿Cómo desplegar de forma concreta los modos poéticos practicados en esas tentativas? ¿Cómo demorarse en sus tiempos largos y atender a la densidad de su tejido? ¿Cómo hacerlo creando lugares que den cabida a los tránsitos de cualquiera que se acerque? Jardín de las mixturas no se concibe como un espacio y un tiempo cerrados (la sala de exposiciones y su temporalidad programada), sino más bien como conjunto de lugares singulares vinculados por una trama narrativa abierta y una cierta libertad de circulación.

Organiza: Museo Reina Sofía

Esta visita recorre los espacios de la Colección dedicados a las vanguardias históricas y cuestiona el papel y la visibilidad de la mujer en la historia del arte a través del análisis de la mujer como productora, receptora y sujeto-objeto de la producción artística. Forma parte de una serie de itinerarios transversales que proponen nuevas miradas a la Colección, cuestionan las interpretaciones tradicionales y revelan la riqueza de implicaciones históricas, sociales y políticas del hecho artístico. Tiene el propósito de despertar una nueva mirada, considerar críticamente las imágenes de dominación masculina e invitar a reconocer el trabajo de la mujer en la superación de estos roles y modelos.

La cuestión del espacio irrumpe en el panorama artístico tras la Segunda Guerra Mundial con el auge de la performance y sus hibridaciones con la danza, la instalación y los replanteamientos en torno al soporte y materialidad de las obras. Pero no solo afecta a los modos de hacer, sino también a quienes se sitúan dentro del sistema arte (¿quiénes ocupan ese espacio?) y a quienes están descentradas. En este deambular conjunto por los episodios 2,3 y 4 de la Colección se invita a participar en una práctica relacional con las mediadoras y el resto del grupo, intentando desmontar la idea de la persona “que explica cosas” para formar una pluralidad de voces que cuidará de la palabra y de la escucha desde las propuestas feministas.

La artista Charlotte Johannesson (Malmö, 1943) es una de las pioneras de la gráfica digital y un exponente temprano de la sincronía conceptual entre los lenguajes y la técnica de la programación informática y del telar. En esta entrevista, con motivo de la exposición monográfica realizada en el Museo Reina Sofía en 2021, Johannesson teje un tapiz de experiencias personales con sus primeros acercamientos al textil, las memorias de la denuncia política desde la escena contracultural y su práctica artística en los inicios del arte digital.

La investigadora, editora y crítica de arte Cristina Vives (La Habana, 1955) presenta en esta cápsula sonora la corta pero prolífica carrera de la artista Belkis Ayón (La Habana, 1967-1999). Vives, comisaria de la primera muestra retrospectiva en Europa de la grabadora en el Museo Reina Sofía, desgrana en su relato el recorrido artístico de la que fue su amiga. Aborda el trabajo de Ayón con las colografías como lenguaje particular, su interés en la sociedad secreta afrocubana Abakuá y su compromiso político con el contexto cubano de la década de 1990.

Las ficciones distópicas, como Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, y algunas experiencias reales, como la memorización que Anna Ajmátova hacía de sus propios poemas para intentar escapar a la censura, inspiraron Time has fallen asleep in the afternoon sunshine, una propuesta de la performer y coreógrafa Mette Edvardsen. En este proyecto, personas de distintos países memorizan libros con el objetivo de crear una biblioteca de libros vivos puestos a disposición del público en forma de encuentros individuales, en los que recitan lo aprendido. Esta cápsula doble ofrece una entrevista con Edvardsen, donde relata la génesis del proyecto y su evolución a lo largo de los años; y una conversación con Violeta Gil y Andrea Rodrigo, en la que narran su experiencia como libros vivos.