Actividades

Esta actividad pone en diálogo a la artista Sharon Hayes con Paul B. Preciado, coordinador del seminario Somateca, y con los alumnos del Programa de Prácticas Críticas, así como con el público general interesado. El encuentro marca el arranque de la exposición individual de la artista en el Museo, titulada Habla.

Este encuentro reúne al artista Hans Haacke y al crítico e historiador del arte Walter Grasskamp. La conversación se centra en un recorrido diacrónico por los cincuenta años de producción del artista a través de diez obras comentadas en contraste con distintos modelos y contextos de institución.

El crítico de arte y comisario independiente Santiago Olmo mantiene una conversación con la artista Soledad Sevilla en relación a la exposición Escrito en los cuerpos celestes. Esta muestra consiste en una instalación realizada por la artista en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro.

Visita comentada por la artista Elena Asins a su exposición Fragmentos de la memoria. Se completa con un coloquio con el público participante, que busca articular el lenguaje de lo visible y el de lo verbal, el de la artista y el del público o el de la exposición y el debate, como clave para acercarse a su obra.

En esta conversación, João Fernandes y François Piron, los comisarios de la exposición Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel, aportan algunas de las claves para acercarse al singular universo del poeta y su peso en la modernidad artística.

Bajo el título René Daniëls revisitado, el crítico de arte Dominic van den Boogerd aborda en una conferencia los temas recurrentes en la obra de Daniëls: la fascinación por la imagen como veladura y la pintura como juego de apariciones y desapariciones.

Esta conversación sirve de introducción a la mayor exposición retrospectiva dedicada hasta la fecha al artista italiano. alighiero boetti. estrategia de juego ha sido coproducida por el Museo junto a la Tate Modern (Londres) y el MoMA (Nueva York), y comisariada por Lynne Cooke, Mark Godfrey y Christian Rattemeyer.

Cualquier posible separación entre arte y vida en Yayoi Kusama (Matsumoto, 1928) no existe. Miembro activo en la escena artística crítica con la guerra de Vietnam de los 60 en Nueva York, ciudad donde se relacionó por igual con el minimalismo, el happening o el pop, regresa a Japón, en 1973, ampliando los límites de su trabajo. Su heterogénea obra abarca desde el collage hasta la composición musical, incluyendo el diseño, la novela o el arte de instalación. Kusama desarrolla de forma obsesiva la idea de repetición y retícula, haciendo de las superficies cubiertas de puntos, redes infinitas, en sus palabras, una de sus señas de identidad.

Encuentros es un programa con el que el Museo busca generar debate en torno a las exposiciones programadas en el mismo. Coincidiendo temporalmente con la inauguración pública de las muestras, artistas, comisarios, críticos e historiadores entablan un diálogo en el que se que anticipan y cuestionan las líneas y recorridos de cada proyecto expositivo.

Este encuentro entre escritores y editores se plantea como una mirada a las formas de la literatura menor, procedente de espacios como Quebec, Montreal o Tánger. Sonia García Soubriet, Jesús Egido y Madeleine Monette dialogan sobre paisajes de seducción y sobre la literatura como universo de ruidos y silencios, de laberintos urbanos y de refugios de intimidad.

Coincidiendo con la inauguración pública de la muestra El deseo nace del derrumbe, se presenta el encuentro entre el artista argentino Roberto Jacoby y Ana Longoni, historiadora del arte y comisaria de la exposición. En esta conversación se anticipan y cuestionan las líneas y recorridos del proyecto expositivo.

Con ocasión de la inauguración de la exposición Descripción, la artista austriaca Dorit Margreiter conversa con Sabeth Buchmann, historiadora del arte y profesora en el Instituto de Teoría del Arte y Estudios Culturales de la Academia de Bellas Artes de Viena, y con Lynne Cooke, comisaria de la exposición y subdirectora del Museo.

George Didi-Huberman, comisario de la exposición Atlas. ¿Cómo llevar el mundo a cuestas?, introduce las implicaciones de narrar la historia a partir de la supervivencia de la imagen y cómo se integra el anacronismo en la exhibición de arte. Didi-Huberman enfrenta estas cuestiones a partir del análisis y referencias al pensamiento de Aby Warburg.

Partiendo de la presentación del volumen editado por el colectivo Edu-Factory y la Universidad Nómada bajo el título de La Universidad en conflicto: capturas y fugas en el mercado global del saber (Traficantes de Sueños, 2010), este encuentro propone repensar la acción política en el ámbito del saber tras “el movimiento antibolonia” o “la onda anómala” que ha recorrido los campus europeos durante los dos últimos años.

La obra de Cecilia Barriga (Concepción, 1957), cineasta chilena radicada en Madrid desde 1977, mantiene un vivo compromiso con las cuestiones de igualdad social y la reflexión sobre el género, interrogándose sobre el modo en que se construyen y representan las identidades individuales y colectivas, sea por la pulsión imaginaria de lo íntimo o por el devenir cultural y político que rodea a las personas.

Este encuentro recorre las investigaciones derivadas de la exposición :desbordamiento de Val del Omar. Eugeni Bonet, comisario de la exposición, y Javier Ortiz-Echagüe, asistente del comisario, presentan los resultados de su trabajo vinculado a la muestra, basados en los intentos de reconstrucción de técnicas inexistentes y la recuperación de trabajos inéditos del cineasta granadino

Jenny Marketou (Atenas, 1954) es una artista multidisciplinar cuya obra exige la participación del público, a la vez que cuestiona los sistemas que estructuran nuestras formas de vivir con respecto a los límites del espacio público y nuestra libertad.

Abigail Child (San Francisco, 1948) explora las posibilidades que proporciona la mezcla de géneros y estrategias narrativas para abordar el espacio público a través de la memoria y la historia.

Bajo el título Reacción en cadena se agrupa una selección de vídeos de la Colección de Arte Contemporáneo Cal Cego (Barcelona) en la que se crean genealogías de artistas, de trabajos y de discursos cuya lectura no puede dejar de lado las relaciones, asociaciones, contraposiciones, superposiciones, revisiones y conflictos que se generan entre ellos.

Pedro Garhel (Tenerife, 1952-2005), artista polifacético y multidisciplinar, fue pionero en el campo del arte electrónico e interactivo en España.

Esta conversación-entrevista plantea una revisión a otro espacio de exposición, el del catálogo o el del libro de arte. Un espacio en el que las políticas de exposición se entrecruzan con los modos de lectura, las formas de narración y la sumisión o resistencia al mercado editorial y a la lógica del objeto de consumo.

Encuentro con el artista Pierre Huyghe, Javier Montes, crítico de arte y escritor, y Lynne Cooke, comisaria de la exposición y Subdirectora del Museo. Esta conversación se enmarca en el programa de la exposición La estación de las fiestas/La saison des fêtes.

Esta presentación inaugura el ciclo Conversaciones, un nuevo programa en el que el Museo invita y acoge propuestas de debate de diferentes agentes culturales. El Antimuseo es un proyecto constituido como institución horizontal, difusa y sin contenedor, a partir de la idea de participación y la exposición de tensiones públicas.

Shirin Neshat (Qazvin, 1957), artista visual radicada en Estados Unidos, cuya obra explora la imagen de la mujer en la sociedad islámica, se dio a conocer internacionalmente con los retratos incluidos en la serie Women of Allah (1993-1997).

Conversación organizada con motivo de la exposición Thomas Schütte: Retrospección. Participan el artista Thomas Schütte, Lynne Cooke, comisaria de la exposición y subdirectora del Museo, y Julian Heynen, director del Kunstsammlung de Nordhein-Westfalia.

La obra de Leandro Katz (Buenos Aires, 1938) aborda el paso del tiempo y la construcción de la memoria a través de las políticas de la mirada que posibilita el medio audiovisual.

Rasa es un proyecto de investigación en torno al cuerpo y al movimiento. Está dirigido por Lipi Hernández, creadora e impulsora de Malqueridas, Creaciones al límite. En el Museo la performance es acompañada  de una presentación del proyecto y un encuentro con los artistas participantes del mismo.

Entre el documental y el ensayo fílmico, Double Take (2009) presenta a Alfred Hitchcock -y a su doble, Ron Burrage- como un paranoico profesor de historia atrapado involuntariamente entre imágenes de archivo de la Guerra Fría y la emisión de un programa de televisión en directo.

La obra de Vasco Araújo (Lisboa, l975) se centra en aspectos sociopolíticos y aborda la problemática de la identidad y la memoria a través de la mitología clásica, la ópera, la danza barroca, el protocolo palaciego y los comportamientos sociales.

La Tercera Reunión en Santiago de Chile, tras los encuentros en Sao Paulo y Rosario en 2008, se propone como objetivo central ser un espacio de encuentro y discusión de la Red para cerrar los mecanismos de solución a las necesidades hasta ahora planteadas, junto a la posibilidad de conocer las reflexiones, los avances en investigaciones y trabajos de sus miembros y grupos. Las sesiones abiertas al público difunden el trabajo e investigaciones de la Red y, al mismo tiempo, generan instancias de intercambio con investigadores locales, no necesariamente adscritos a la Red, que ayuden a expandir el tejido discursivo que hasta ahora la conforma.

Pablo Helguera (Ciudad de México, 1971) es un artista radicado en Nueva York cuya obra incide en la realidad sociopolítica e indaga en la naturaleza de la memoria.

Un truco de salón es un breve texto de Juan Muñoz en el que analiza la relación entre engaño e ilusión. Los escritos de Juan Muñoz son un aspecto apenas estudiado, pero decisivo para entender la teatralidad y narratividad de su trabajo. En este encuentro intervienen Lynne Cooke, Subdirectora del Museo, y Adrian Searle, crítico de arte.

Las películas del polifacético artista suizo Hannes Schüpbach (Winterthur, 1965) parten del encuentro directo con un lugar o un personaje y llevan el retrato al límite de la metáfora. 

Coloquio organizado con motivo de la exposición retrospectiva dedicada al artista Paul Thek. Este programa incluye las ponencias de Paul Sztulman, crítico e historiador del arte, de Ann Wilson, artista, profesora y crítica, y de Roland Groenenboom, comisario independiente.

Cuando la tierra tiembla (2006) es un documento visual sobre el drama humano del exilio, la migración y el desplazamiento. 

En Freedom Park, un asentamiento de chabolas en Sudáfrica, un grupo de mujeres infectadas de VIH pone en marcha la red Tapologo: trabajando como enfermeras de su comunidad, transforman la miseria y la degradación en resistencia y optimismo. 

La cámara no deja de moverse mientras sigue la operación de vaciar la Huerta de San Vicente de todo su contenido, cuadros, muebles, alfombras, maceteros, cacharros, piano, hasta dejarla limpia, monda, desnuda, y acompañar los objetos envueltos en plástico semitransparente hasta un guardamuebles donde se amontonan.

Constanze Ruhm (Viena, 1965) es una artista y cineasta cuya obra aborda la relación del cine con los nuevos medios desde la problemática de las nociones de identidad, representación y teoría cinematográfica feminista. 

Desde la década de los setenta, Marcel Odenbach (Colonia, 1953) ha ejercido una influencia decisiva en el desarrollo del vídeo utilizando las cualidades y posibilidades del medio para expresar significados políticos y sociales. 

Protagonizada por el psicoanalista y filósofo Slavoj iek (Liubliana, 1949) y dirigida por Sophie Fiennes (Suffolk, 1967), The Pervert’s Guide to Cinema (2006) se estructura en tres partes en las que el filósofo examina filmes como The Exorcist (1973), Duck Soup (1933) o Alien (1979), penetrando en los decorados de clásicos como Psycho (1960), Blue Velvet (1986) o The Matrix (1999). 

Viaje de novios (2006) es un proyecto desarrollado a lo largo de casi tres años. Consta de cuatro vídeos (Viaje de novios, Pago de salud, Circular de agua y Baile al fin) que, reunidos, forman una pieza de larga duración. 

Surveillant Architectures es una plataforma de observación y crítica de los sistemas de vigilancia cotidiana que surge de la idea de crear un lenguaje nuevo que aporte nuevos protocolos arrojando luz sobre las implicaciones teóricas, sociales, individuales y políticas de la vigilancia, la seguridad y la gestión actual del terror.